Традиционни рецепти

Симфония на цветовете

Симфония на цветовете

Отделете яйцата (белтъкът от жълтъка). Разделих количеството захар, сложих 5 супени лъжици белтъци, които разбих. Жълтъците, заедно с останалите 5 супени лъжици захар също бяха разбити, заедно с бакпулвера и 5 -те супени лъжици минерална вода.Върху тази смес постепенно добавих една супена лъжица пяна от яйчен белтък + 1 супена лъжица.брашно, докато са включили всички съставки.

Разделих тази смес на две, оставих едната част жълта и добавих настъргана кора от 1 лимон; другата част го смесих с пудинг на прах + 5 супени лъжици минерална вода + кокос.

Поставих горната част в намазнена тава, покрита с брашно, редуващи се цветове, вижте приложените изображения.

Загрятата фурна се погрижи за тавата ми за около 20 минути, така че тортата да покафенее хубаво на 180 градуса.

След като изстине го украсих по въображение с бяла и розова глазура.

Добър апетит!




Как руснаците са изгорили румънците

Говоря с бесарабския Думитру Мурузук. Резбар на цял живот. И от баща на син със занаятчийско и икорно сърце. Говоренето с бесараб е едновременно приятно и трудно. По -топли хора, отколкото никога не са виждали. Но често зад всяка история стои трагедия. Научих много от техните истории. Но все още не е достатъчно. Dumitru & icircmi извежда & icircn отпред нов раздел. През какво преминаха занаятите след прутските и съветските години.

Динамитни пещи

В къщите и под навесите не трябваше да остава нищо. Когато навлязоха в Бесарабия, руснаците насочиха погледа си към фурните, където горяха тенджерите и тиганите. Занятието на глина с висока стойност е било по времето на Великата Римска империя. И какво направиха руснаците? Те взривиха фурните. Дали е така? & bdquoДа, сложиха динамит и ги закръглиха и ги разбиха & rdquo.

Изгаряне на народни носии

След това взеха народните носии от къщите на хората, където бяха влезли с пушката, и ги запалиха. По-късно самите селяни дойдоха да изгорят собствените си бижута в провинцията, много от тях наследиха от своите баби и дядовци и прадядовци. Разтопиха кутиите си за зестра. Ако бъдат открити с такова нещо, те рискуват да бъдат депортирани в Сибир. „Така беше тогава!“, Казва Думитру, 55-годишен мъж. Той лично знае някои факти. Чуваше други от родителите си.

Трагични числа

Издърпайте въздуха и ледените гърди. Имам чувството, че се задушавам. Бях записал всичко, което ми каза събеседникът ми и бях уморен. Злото ме изцеди. Това зло, от което Бесарабия все още дърпа конците. По време на Кралството и в тази част на страната имаше 120 занаята. Днес са 20. Останалите са изтрити от лицето на земята. & Icircn времето на & bdquohomo sovieticus & rdquo.

Незабравимият герой

Чувам друга история, от 1962 г. Занаятчия, дърводелец от вида си, казваше се Георге Мурузиук, от село Фалещи, той вече не можеше да понася лъжата и нещастията. Той взе римско знаме, не се знае откъде и как го е взел, може би го е скрил някъде и се качи с него на комина на захарната фабрика от Александрени.

Той седеше там часове наред. Той беше вдигнал знамето на върха на кулата. За да видят всички далеч, чиято земя е земята. Той беше взел със себе си бард, с който издълба дърво. Защитете трицветния с неговия работен инструмент. Занаятът, отбелязва този, с когото говоря днес, вече не беше просто проста работа, от която знаете какво правите. Това беше форма на съпротива.

Имаше много шум. Хората излязоха на улицата да видят какво се случва. Дърводелецът в крайна сметка беше арестуван. Георге се срина преди пет години. Там, в неговото село, Фалещи, целият му дъх го водеше към гроба. Ковчегът беше облечен в римския трикольор. Те бяха истински герой на последния път. Той, дърводелецът, резбарът, Георге Мурузиук.

& bdquoВинаги сме се събирали & rdquo

Думитру седи с наведени очи над резбите си. Чувствам, че се приближих до него, че събудих спомени в него. Големите му, груби пръсти, дебели пръсти, напълно покриват малкия предмет, който бавно и бавно се оформя. & bdquoНашият народ е преживял много. Паднахме и коленичихме. Винаги се събирахме & rdquo, думите излизат сякаш изведнъж.

Последните 600

Популярните занаятчии от Бесарабия се събраха в своя съюз, веднага след като Република Молдова обяви своята независимост. Водите се бяха оттеглили и те не бяха пресъхнали. Хората се броят един друг и виждат, че има общо 600.

Оттогава те са станали по -малки. Съюзът е бил изграден предимно в старите квартали. Младите хора вече не се интересуват от занаятите. Новите поколения са отишли ​​на Запад, към по -добър живот, ако видят, че в новата република животът се влошава. И без перспективи.

Издълбаната люлка

Резбарът в историята отново спира. Дишам отново. И продължавам да се питам. Съпругата му Вероника също е народен занаятчия. Той знае как да тъче руши. Тя също е учител. Бащата на Думитру е бил дърворезбар. Също и дядо. Той има брат. Той със същата страст. & bdquo Израснах сред инструментите, които придават на дървото глас. Майка ми ме люлееше в дървото, издълбано от дядо ми.

Нови страдания, след 1990г

Селото, където е роден, където живее и до днес, се нарича Reuțel. & Icircn близо до град Балти. Той припомня, че през 1990 г., по време на националното възраждане на Бесарабия, той облече народна носия и отиде в града. Щял да бъде бит от русофони. Той участва в появата на клуб на занаятчиите, в Bălți.

Истината каза & icircn училища

Той ходи на училище в селото си, като говори с децата за традициите и занаятите. Той е бил в много други училища и гимназии в Републиката от години. Той отвори врата за малките, които дори не бяха виждали преди. Описвайки тяхната народна носия, чимира, селска шапка, мнения, бундиня.

& bdquo & Icircn В продължение на 25 години популяризирам популярното изкуство в областта на младежта. Имам образовани поколения деца. Описах им нашето съкровище. Част от ромската & acircnești култура & rdquo.

Забелязвам iureș на душата от гърдите на бесарабците. & Icircn, особено c & acircnd говори за Rom & acircnia. "По времето на Съветите ни учеха, че римляните са наши врагове." Той въздъхва.

Симфонията на нощта

Други спомени се появяват от детството му. Той се изкачи на хълма през нощта, който пази селото, чувайки симфония в морето на мира. Бяха дърводелци. Всеки бие със своя бард в свой стил. Той, детето от онова време, ги беше научил на стил, хармония, ритъм. Имаше 30 занаятчии. От звука на bard & icircşi той разбра кой е той. Хората работеха след стъмняване. Помислете, че властите трябваше да спят. Само в нощта на дърводелството те облякоха истинските си дрехи, от търговията, от която не искаха да се откажат, като се отърваха от догмите на деня. Те щяха да хванат още няколко часа сън и в пет сутринта се събудиха, за да отидат на работа в колхоза.

Днес за дърводелството се говори повече, отколкото в миналото. Същото важи и за изкуството на тъкане. Само в няколко села в Република Молдова са известни нейните тайни. Ротарианците също са изчезнали. И занаятчиите, които са изработвали сбруи за коне.

Цареви килими

Много градове и села в Републиката организират панаири на занаятите. & bdquoИ аз ходя навсякъде с плодовете на моя труд & rdquo. От това той живее.

Падна отново на колене. Той знае от родителите си как по време на глада в Бесарабия, след войната, селските килими, с прекрасна яркост на цветовете, са се превърнали в един вид парична единица за хората, които са ги давали в замяна на царевица и пшеница.

Гората на скулптурите

Той се връща към днешния ден. Преди шест години той полага основите на резерват за произведения на изкуството от дърво. В средата на гората Унгени се появява гората на скулптурите. & bdquoPlaiul Fagului & rdquo, така се нарича районът. Всеки, който пристигне тук, е заобиколен от герои, които са състояние на човек, въплъщаващ безсмъртните истории. Бял Харап, Птица, Партизански. И много други. Много от резбарите бяха обучени от компанията, в която съм чест да бъда сега.

Ваканционно училище

В селото си, с помощта на кметството, той откри тази година Центъра за традиционни занаяти. Всъщност училище, в което ще се формират нови поколения в различни жанрове на изразяване на традицията.

& bdquoИмаме нужда от допълнителна помощ. & Icircn, особено оборудването за дърво и керамика & rdquo, е сигнал, който човекът & icircl дърпа. Продължавам това съобщение. Може би, кой знае, & icircn Rom & acircnia също ще бъде чут, откъдето ще дойде възможна подкрепа. Думитру Мурузук вече е оценен в Родината като член на Академията за изкуства и традиции в Сибиу. Жестовете му продължават да гърмят. Те не спряха нито за миг, повече от час, докато проследявах съдбата му. & bdquoИ дори нямат g & acircnd, за да спрат & rdquo, това е като обещание за себе си. Адресиран към бъдещето.


Магия.Ритуали.Заклинания.

  • Магически артикули (21)
  • Бани и лекарства (11)
  • Благословия (4)
  • Кухня на магии (6)
  • Зарове на зърна (4)
  • Окото (3)
  • Гадания (12)
  • Магически упражнения (8)
  • Гримуар (5)
  • Магически инструменти (2)
  • Въпроси / отговори (3)
  • Легенди (4)
  • Магия на руните (13)
  • Магията на мечтите (8)
  • Магически отвари (2)
  • Натурални рецепти (5)
  • Сън и сънища (6)
  • Терапии (7)
  • Магии (40)
  • Магии със свещи (10)
  • Уика (6)

Музикална терапия

Какво е музикална терапия

С течение на времето благоприятният ефект на музиката с приятни звуци и повече от това се наблюдава при някои надарени хора, фантастични преживявания, подобни на тези в приказния свят, извънземни, паранормални, изразени на текущ език.
Легендите говорят за бог ПАН, който, когато пее на пайпс, омагьосва животните, козите танцуват.
Орфей опитоми дивите зверове с паунда, а Библията разказва как Давид взе арфата и пееше на Саул и за него беше по -лесно и по -добре и злият дух се оттегли от него.
Учениците на Питагор (питагорейци) практикуваха музика, песни, ритми и танци, избрани за партита или за публичната религиозна церемония, знаейки нейните ефекти.
Днес виждаме директно или във филми как някои животни пеят, издават мелодични звуци чрез обучение. Много от тях имат поведение на меломани, те се събират около радиостанциите, давайки признаци на благодарност при слушане.
Действието на звуковите вълни е известно както върху растенията, които покълват и растат по -добре, така и върху млечната продуктивност, при кравите, в чиито обори пеят, се слуша музиката.
Така се преоткриват множеството добродетели на музиката - тя има не само роля, културна естетическа функция, както някои смятат на пръв поглед, но и философска, магическа, терапевтична функция.
Споменаваме мимоходом, че магиите (бяла магия), практикувани в древността, но и днес се шепнат, подчертавайки определени ключови думи чрез заклинания, които излъчват определена честота, която резонира с пациента.
Дали музиката е загубила своята проникваща сила в човешката психика, произвеждайки истински трансформации?
Не! Само невежеството на хората се е увеличило, но като не го знаят, те могат да станат жертва на ценителите, които използват разрушителни звуци в определени сетива, обикновено много силни, които са близки до честотата на шумовете, неприятни за ухото.
Да не говорим за текстовите съобщения, когато музиката е придружена от думи!
Музиката беше обезчестена. В стремежа към оригиналност, следвайки модата на века, тя достига експанзия, истински стилистични мутации.
В Манифеста на футуристичните музиканти се казва: това ни доставя безкрайно повече удоволствие да съчетаем в идеалния случай шумовете на трамваи, камиони, характеристики и шумната тълпа, отколкото да слушаме например Heroic или Pastoral, а на Великден - коктейл от локомотиви.
Как се стигна до тази ситуация?
Съвременният човек, който е изключително зает, не отделя време за себе си. Процесът на омагьосване вече не се случва, когато се чуе флейта или арфа. Отмина детето, което трябва да съществува във всеки - детството на човека, способността да се чудиш на красотата, оригиналното, което придава свежест и бодрост.
Вместо това съществува опасност музиката отново да се превърне в сила, да предизвика немислими психически насилствени разстройства, особено сред младите последователи на нови течения (джаз, рок, хеви метъл и др.).
Още повече, че ни се струва изключително важно както да заклеймим вредните последици, така и да донесем до знанието на широката общественост, хората от всички възрасти и особено на младите хора истината за музиката и нейните добродетели, нейните благотворни, лечебни ефекти.
Мелотерапията е метод за лечение или облекчаване на симптомите чрез слушане на музика.
Въпросите, които възникват веднага, са следните:
Каква е музиката, която има добродетелта на изцеление?
Какво темпо има?
В каква среда се слуша? Какви са условията за слушане?
Какво трябва да бъде нивото на звука? (колко силно или бавно трябва да бъде?)
Музиката, която има способността да предизвиква енергиен баланс чрез феномена на биорезонанс, предизвикан от звукови вибрации, обикновено е инструментална музика. Всъщност безмълвното значение на музиката е това, което дава сила и стойност. Казват, че няма да има музика и няма да има нужда от нея, ако човек може устно да изрази това, което се съобщава чрез музиката: цялата гама от човешки чувства, природни явления, внушение на сезони, моменти от деня и нощта с неизразимо очарование, чудеса на пейзажите, мобилизиране на сили, енергии или, напротив, тяхното разсейване, разсейване в галактическия океан.
Ритъмът е същественият елемент, който придава комфорт или дискомфорт и който свързва публиката (слушателя) с усещането за време.
Известно е, че по време на вътрематочния живот плодът слуша сърдечния ритъм на майка си. Той свиква с този ритъм. В контекст на максимална защита при телесна температура. Ритъмът на барабаните на примитивните народи е именно този ритъм.
В средновековната и класическата музика откриваме добре познатия ритъм на нашия живот отвъд паметта, ценен в подсъзнанието.
По -долу е даден списък (според американски изследовател) на композитори и произведения, които обикновено се използват:
Бах:
Ларго, Концертът в Ла
Симфония в B flat
Сюита за оркестър
Бранденбургски концерт № 4
Бетовен:
Геройски
Соната на месеца
7 -та симфония (Алегрето)
Брамс:
интермецо сайтове
Шопен:
Концерт № 1 за пиано (стр. II)
Валс в минор
Дебюси:
Лунна светлина
Гръцки:
Концерт за пиано а минор (стр. II)
Хайдн:
Симфония № 99 (стр. II)
Поща:
Извикване
Менделсон:
Италианска симфония (стр. II)
Моцарт:
Симфония № 40 (стр. II)
Ректор:
Интермецо
Рахманинов:
Концерт № 2 (стр. II)
Сен-Санс:
L'Aquarium (от Animal Carnival)
Шуман:
Арабеска. Reverie
Шуберт:
8 -ма симфония (стр. II)
Чайковски:
6 -та симфония
Вагнер:
Прелюдия към Парсифал
Evening Star (Trannhauser)

Условия за слушане:
Препоръчително е да сте сами в стаята, доколкото е възможно в стая, където няма да ви безпокоят по време на слушане
източник на звук (радио, касетофон, високоговорител) да бъде на разстояние 2-3 метра от стола или фотьойла, в който седите
обекти или фотографии, които предизвикват спомени, ще бъдат премахнати от зрителното поле
столът или креслото не трябва да бъдат нито прекалено високи, нито прекалено къси, за да не възпрепятстват циркулацията на кръвта
ръцете ще бъдат поставени до тялото, а краката ще бъдат успоредни, а не кръстосани, за да се улесни енергийната циркулация в меридианите на тялото.
(Използваме кръстосаната позиция, когато се защитаваме от неприятен събеседник или който ни съобщава неприятни неща или има определен тон, словесно насилие).
Нивото на звука, интензитетът ни е трудно да определим. Вие сте този, който е в състояние да оцени всеки според темперамента и слуховата острота, но имайте предвид, че твърде слабото ниво може да премахне определени впечатления, особено когато става въпрос за свирене на оркестър, и твърде високо ниво (силно) е уморително.променя емоционалната сила на слуха.
Слуховите апарати могат да се използват у дома, за да не пречат на други членове на семейството.
Осветлението на стаята или помещението, където се провежда сесия по мелотерапия, може да бъде:
естествен (дневна светлина)
изкуствени, особено в комбинация с хромотерапия, практикуване на избора на цвят в зависимост от диагнозата.
Също така, когато навън е дъждовен или мъглив, сив ден, ние също прибягваме до изкуствена светлина, или у дома, или по време на организираното групово прослушване.
Температура на околната среда: 20-22 градуса (18-24 градуса).
По време на прослушването препоръчваме да запомните прекрасните неща в природата: планини, гори, кристално чисти води, цветя, цветова хармония и т.н. по музика.
Препоръчваме да слушате поне три музикални произведения. Изборът им се прави според културното ниво, музикалната култура, емоционалното състояние и диагнозата, когато човек е болен.
Така че мелотерапията като други естествени методи се използва за профилактични и лечебни цели.
Лекарят, терапевтът е този, който подбира музикалните фрагменти във втория случай.
Тъй като музиката действа фино, върху вибрационната и биорезонансна система, дори музиката на класически, културни композитори, във вътрешните отделения или в стоматологичните кабинети, независимо от степента на култура на пациента, ще има благоприятен ефект.


Йоан 8, 51-59

„Господ каза на евреите, които бяха дошли при Него: Истина, истина ви казвам: Ако някой държи думите ми, той никога няма да види смърт. Но юдеите му казаха: Сега знам, че си дявол. Авраам също умря, пророците, и вие казвате: Ако човек запази думите ми, няма ли да вкуси смъртта завинаги? Не си ли по -голям от нашия баща Авраам, който умря? И пророците умряха. Кой се правиш на себе си? Исус отговори: Ако аз се прославям, моята слава е нищо: моят Отец ме прославя, за когото казвате, че той е вашият Бог. И вие не Го познавахте, но аз Го познавам и ако кажа, че не го познавам, щях да бъда лъжец като вас. Но аз Го познавам и държа на думата Му. Авраам, вашият баща, се радваше да види Моя ден, видя го и се зарадва. Тогава юдеите му казаха: Още нямаш петдесет години и си видял Авраам? Исус им казва: Истина, истина ви казвам, аз съм пред Авраам. И така, те взеха камъни, за да го хвърлят; но Исус се скри и излезе от храма, минавайки през тях, и така отмина.


Съдържание

Думата симфония произлиза от гръцки син (заедно) и phōnē (да се обади). През XVII век терминът се използва за оркестрови въведения на произведения (симфония), кантати, оратории, за оркестровите въведения на ариите, но също и за произведенията на ансамбъла, които биха могли да бъдат класифицирани като сонати или концерти. Общият фактор при разнообразното използване на термина беше да се третира симфонията или симфонията като част от по -голям фрагмент от композиция.

За да се разбере развитието на класическия симфоничен стил, е необходимо да се проследи еволюцията му през 18 век. На първо място, симфонията се използва с голям интензитет през целия век: каталогът на симфониите от осемнадесети век съдържа над 13 000 такива отделни произведения. По това време в Европа нямаше разкошен, църковен или дори частен стил, съдържащ поредица (фондове) симфонии. Ценни колекции са открити във Финландия, Сицилия, Киев или Салем. Водещият център в производството на симфонии несъмнено беше Виена, следвана от Германия, Италия, Франция и Англия, но важна дейност се състоя и в Скандинавия, Испания, Полша и Русия. На второ място, важен аспект е непрекъснатото развитие на симфонията, започвайки от края на 17 -ти век с техническите нужди на инструментите, съдържанието и контраста на темпото, и накрая води до балансирана поредица от процедури, които обобщават класическата стил. И накрая, характеризирайки в по -голям мащаб обществения характер на симфонията, заедно с факта, че тя не зависи от определена виртуозност за постигане на такъв ефект, й придаде тежест и смисъл, които изискват уменията на композитор. Все по -видното място, отдавано на симфонията през осемнадесети век, се проявява осезаемо в двойното значение, което заема в публикуваните каталози, и в забележителната роля, която играе в писанията на онова време. [1]

Записване на термина в ранните източници Промяна

В гръцката древност терминът Συμφωνια показва съгласни, по -специално перфектното съгласие (октава), но е използван от Аристотел (в „За небето“) и за обозначаване на публичното изпълнение на няколко музиканти. [изисква цитиране] В римляните, на класически латински, се наричат ​​хоровете, в които се пее октавата симфоничен. През Средновековието терминът симфония той се противопоставя диафония: първият показва консонанса, докато вторият съответства на дисонанса. Исидор от Севиля (560-636) използва латинската дума симфония да назове двуглав ударен инструмент. В развитата и късносредновековна Франция (12-14 век, симфония беше името на колба (организъм). В Германия по -късно гръбнакът ще бъде наречен Симфония.

Промяна на епохата на Ренесанса и барока

Първото използване на термина за обозначаване на инструментална музикална композиция се намира в ръкопис от 15-ти век, открит в Лайпциг, който също съдържа симфония „за туба и други хармонични инструменти “(за да не се бърка латинският туба със съвременния инструмент ренесансовата туба също е вид меден духов инструмент, но с напълно различна конструкция). Започвайки от следващия век, думата „симфония“ се използва все по -често, с различни значения. Така през 1585 г. в Антверпен е кръстена колекция от мадригали Ангелска симфония от няколко отлични музиканти. В Италия през 1589 г. Лука Маренцио се събира под името Симфонии поредица от интермеци инструментален, а във Венеция през 1597 г. Джовани Габриели композира поредица от вокални и инструментални парчета на няколко гласа, които озаглавява Cantus sacrae symphoniae. През 1603 г. в Нюрнберг се появява колекция от парчета под името Sacrae symphoniae diversorum excellentissimorum auctorum.

Музикалната композиция, която от седемнадесети век все повече се нарича "симфония" (на италиански: симфония) е инструменталната прелюдия към лирическо произведение, вид, развит по това време в Италия, особено във Флоренция - започвайки с Якопо Пери (Евридика), Джулио Качини и други, в рамките на културния кръг Камера де Барди, с Винченцо Галилей като негов музикален ментор. [изисква цитиране] Пример е "симфонията", с която се открива известната опера Орфейът на Клаудио Монтеверди (1607).

По -късно се прави ясно разграничение между френската и италианската „симфония“. За разлика от оркестровото въвеждане на френски произведения - отваряне (следвайки схемата, предложена от Жан-Батист Люли, а именно бавно-бързо, понякога с възобновяване на първото движение), симфония Италианският (популяризиран особено от музикалното училище в Неапол от Алесандро Скарлати, който след това се разпространява в цялата страна) се характеризира с бързи, бавни и бързи движения.

Късен барок и "галантен стил" Промяна

Терминът симфония все още се използва в различни значения. Йохан Себастиан Бах нарича „Симфония“ цикъла на изобретенията за клавесин (1723), както и прелюдията Мач в до минор за клавесин.

Близо до средата на осемнадесети век поколението (самопровъзгласило се за автора на „галантния стил“), което ще определи прехода към коренно променен стил (известен днес като „класицизъм“), включва редица силни реакции към естетиката на барокова музика. Карл Филип Емануел Бах (1714-1788, син на Йохан Себастиан), Йохан Готлиб Граун (1702-1771) и Георг Кристоф Вагенсейл (1715-1777) прилагат термина симфония за самостоятелно оркестрово произведение, разделено-обикновено-на три контрастни движения (възобновяване на по -стария модел, предлаган от италианците). Важна роля в развитието на този нов вид симфония играе Музикалната школа в Манхайм, очертана около композитора и диригент Йохан Стамиц (1717-1757).

Най -ранните концертни симфонии са оркестрирани за струнен оркестър, с клавесин и често фагот като част от континуо групата. Въпреки че нормата съдържа четири инструмента (две цигулки, виола и бас), трио симфониите за две цигулки и бас са доста често срещани в ранните етапи на симфонията. Симфониите, формирани под стандарт 4, продължават да се култивират до края на века, особено от композитори, работещи в по-малки центрове в провинцията, но и при специални обстоятелства, от известни личности като Карл П.Е. Бах, чиито симфонии за струнен оркестър от 1773 г. са написани за Готфрид ван Суитен. [1]

Новият вид се разпространява в останалата част на Европа. Броят на компонентите се увеличава до четири, чрез въвеждането от Йохан Стамиц преди последното движение на друг, в темпо на менует. [изисква цитиране] Симфоничните композитори включват Матиас Георг Мон (1717-1750), Венцел Раймунд Бирк (1718-1763, Виена), Леополд Моцарт (1719-1787, Залцбург), Франсоа-Жозеф Госек (1734-1829, Париж).). В Англия симфоничният жанр става известен чрез творбите на немските композитори Йохан Кристиан Бах (1735-1782) и Карл Фридрих Абел (1723-1787), базиран в Лондон. [изисква цитиране] В Италия се открояват Джовани Батиста Саммартини (1701-1775), Андреа Лучези (1741-1801) и Антонио Бриоски (1725-1750).

Класическата симфония се развива във Виена през последните десетилетия на осемнадесети век и е свързана главно с имената на композиторите Йосиф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт и Лудвиг ван Бетовен.

Приносът на най -важните композитори от периода на модификация

Джоузеф Хайдн Редактиране

Хайдн въвежда силен емоционален климат чрез принадлежността си към така нареченото художествено движение на времето Sturm und Drang неговите симфонии установяват координатите на класическия формат на вида. Той е написал 104 такива композиции, много известни днес със заглавия с програмна намек, които всъщност принадлежат към много по -ново време. Хайдн разработва модел за структурата на симфонията, като установеният канон брои четири части. Симфониите му обикновено започват с а алегро под формата на соната, продължете бавно (анданте или адажио), последвано от менует и завършек (финал) в темпо темпо, често под формата на рондо. Кулминацията на творението на Хайдн са последните дванадесет симфонии, [изисква цитиране] Наречен "Лондонски симфонии”, Съставен между 1790 и 1795 г. за лондонския импресарио Саломон.

С почти 40 години, през които той композира симфониите, Хайдн надминава повечето от композиторите от този период поради своя опит. Трудно е да се групира огромното симфонично творение в периоди, тъй като приликите между съседните хронологични симфонии често изглеждат по -малко забележими от техните различия и индивидуалности. В младостта си Хайдн работи за малки институции, със скромни оркестрови сили на разположение. Това се отразява в ранните му симфонии. През този период и в годините след назначаването му в двора на Естерхази през 1761 г. Хайдн композира по различни начини симфонични стилове повече от всеки друг момент, включително произведения с достатъчно концертни елементи, канони, завършвания на фуги. Тези различни стилове не трябва да се разглеждат като експерименти, а като отговор на променящите се изисквания, които вероятно включват интерпретация в църквата. През последните години Хайдн отговаря на специални предизвикателства с неочаквани въображаеми решения, като например в комикса „Il distratto“ (№ 60 - 1774), чиито шест части са написани като музикален аксесоар за комедия, или в „Hornsignal“ (No. 31 - 1765) блестящ пример за съгласувано лечение, в който той включва различни изисквания за клаксон. Ранните симфонии на Хайдн показват преобладаване на цикъла от три части, въпреки че от самото начало той проявява много по-голям интерес към финалите на симфониите си, отколкото към увертюрите на типичните опери. През този период Хайдн започва да използва все повече плана, който съдържа четири движения, които вече се срещат в много австрийски симфонии: бързо - менует / трио - бавно - бързо (симфонии № 32, 37 и по -късно № 44 и 68 № 15 с бавно-бързо-бавна структура вместо първото бързо движение) бавно-бързо-менует / трио-бързо (Симфонии № 5, 11, 21, 22, 34 и 49 № 18 с бавно-бърза структура -tempo di minuetto) и последния стандартен цикъл, fast - slow - minuet / trio - fast (започвайки със симфонии № 3 - 6,7,8 - трилогия „Le matin“, „Le midi“ и „Le soir“ - и Nos. 14, 20, 33 и 36). Числа 6-7 са сред първите симфонии, които включват бавно начало, това на не. 6 („Le matin“) по -скоро „съкратен“ изгрев. Хайдн обаче не използва този модел чак през 1770 -те години и се превръща в стандартен модел за него едва след 1785 г. По -късно в кариерата на Хайдн идват различни усъвършенствания и иновации, които са важни за по -късните композитори. Те включват въвеждането на тематични елементи между бавно въвеждане, бързо движение и последващи бързи движения (симфонии № 90, 98, 102-3) разработването и използването на широк спектър от различни форми в бавни движения, включително редуващи се или двойни вариации ( започвайки със симфонии № 53, 63 и 70) и ефективни комбинации от вариации, свързващи менуета и триото чрез преход (Симфонии № 50, 99 и 104), както и широкото използване на последната част под формата на соната-рондо (най-известните примери са в симфонии № 88, 94, 99, 101, 102 и 103). Позицията на Хайдн в двора на принц Естерхази изискваше постоянно производство за незабавното им изпълнение, като по този начин предоставяше уникална възможност за композиция, но и за самокритика. Така, възползвайки се от такава плодотворна рамка, Хайдн започва вътрешна експанзия, увеличавайки своите тематични идеи, разработвайки нови средства за развитие, изпълнявайки по -далечни модулации. Полученият в резултат забележителен брой усъвършенствани симфонии показва много характерни процедури, включително изграждането на изложба, започваща от една -единствена тематична идея, с контраст, който често се отлага за последния раздел. Кулминацията на постиженията на Хайдн като симфонист дойде през 1785-1795 г. Комисия от Париж роди шест нови симфонии (№ 82 - 87) за концерта в "Loge Olympique", последван от симфонии №. 88 и 89 („Тост” - 1787) и бр. 90-92 (от 1788 г.).В тези произведения Хайдн достига нови висоти на изобретателност, хумор и достъпност. По-късно пътуванията до Лондон през 1791-1792 и 1794-1795 генерират две серии от шест симфонии: не. 93-98 и 99-104, които изравняват другите групи симфонии по качества и ги надминават в обхвата на концепцията, мелодичната привлекателност, оркестровия майсторски блясък. Хайдн беше новатор във всички посоки. Почти всяка симфония съдържа разнообразни идеи, които се противопоставят на класификацията. Две повтарящи се, но постоянно променящи се процедури предлагат малко самоанализ на неговите методи. Първо, като третира фразата по -малко като самоцел, отколкото в някои по -ритмично развити групи, тя генерира необичайно широк ритмичен контрол. Второ, чрез разширяване на процеса на развитие, включващ както изложбата, така и половината. [1]

Сред нововъведенията на Хайдн в структурата на симфонията са:

  • кратко драматично въведение в бавно темпо, с което първата част се отваря, след което продължава с оживено движение
  • втората част, бавна, организирана под формата на тема с вариации
  • менуетът (третата част) има две трио, тройният метър (в три удара) предполага характера на танца, от който идва, със същото име
  • финалът има бързо темпо и симетрична форма на рондо, лишена от неравностите на бароковото рондо. [изисква цитиране]

Волфганг Амадей Моцарт Редактиране

41 -те симфонии на W.A. Моцарт е най -високото по рода си ниво, достигнато през втората половина на осемнадесети век. [изисква цитиране] Първоначално ентусиазиран от стила на Йохан Кристиан Бах (син на Йохан Себастиан, установен в Лондон), по -късно Моцарт ще поеме симфоничната конструкция, разработена от Й. Хайдн. Неговият принос благоприятства мелодията (развита над есенциализиран хармоничен сюжет в сравнение с предишните творения, мелодията на Моцарт е описана превъзходно по отношение на изобретателност, фантазия) [изисква цитиране] и оркестрация. Най -известните му симфонии са: „Парижка“ KV 297 (1778), „Хафнер“ KV 385 (1782), „Линц“ KV 425 (1783), както и последните четири, „Прага“ KV 504 (1786), Симфония в Ми ♭ < displaystyle flat> мажор, не. 39 KV 543, Симфония в ми минор, бр. 40 KV 550 и симфонията „Юпитер”, бр. 41 KV 551 (всички през 1788 г.).

Моцарт започва да пише симфонии през 1764 г. в Англия едва на осемгодишна възраст. Поради ранното си начало композицията на симфониите на Моцарт обхваща 25 години. Поради приятелския контакт, който имаше в Англия с J.C. Бах и Абел, Моцарт подхождат към „италиански“ композиционен стил, с изящни ритмични движения, над които неговият австро-германски произход добавя хармонична дълбочина, изразява финес и оркестрова виртуозност. Ранните симфонии на Моцарт са изправени пред много проблеми с автентичността и хронологията. Ранните произведения, написани в Лондон и Холандия между 1764-1766 г., се състоят от три части, като последната е от 3/8. Всяка първа част е в двоична форма на соната, в която се повтаря само втората половина на експозицията. Даровете, с които Моцарт беше надарен, особено чувството му за цвят и баланс, установиха редица специфични различия между неговите симфонии и тези на Хайдн. Чувствителността му към цвета предизвиква повече ангажираност с духови инструменти, но и композиционен стил, богат на изрази. Тази грижа за цвета също се появява в раздела за разработка. Използването на модулация, най -често без значителни тематични промени, накара някои критици да считат развитието на Моцарт за по -малко съществено и „сериозно“ от това на Хайдн. Две последни черти на зрелия моцартиански симфоничен стил са забележителни. Първо, някои аспекти на неговия ритмичен контрол, макар и много по -малко видими от мотивационните водещи на Хайдн, които допринасят значително за обосновката на движението. И втори момент, който обикновено се пренебрегва, се отнася до начина, по който Моцарт развива окончанията на частите, включително спокойствие и блясък. [1]

Лудвиг ван Бетовен Редактиране

Чрез Л. ван Бетовен симфонията придобива нови измерения по съдържание и форма, което би изненадало публиката. Той композира девет симфонии, някои с програмно съдържание, белязано от високи идеални и етични концепции. [изисква цитиране] Симфонията на Бетовен, както и цялото му творение, насочва интереса към песента, предизвикан от създаването на W.A. Моцарт към хармония (акорд), полифония и форма - с една дума, музикална конструкция вместо това, неговата мелодия е „бедна“ (Liviu Dănceanu). [2] Сравнението на двамата автори отива по -далеч, обсъждайки типология на „мелодисти“ и един от „композиторите“ - първият се основава на ефекта, създаден от песни с много индивидуалност, докато вторият се отличава с развитието тривиални музикални теми (когато са извадени от контекста). Бетовен е считан за времето си като най -креативния „композитор“, свидетелства за неговото изкуство са разработките в първата част на Пета симфония и втората част на Седмата симфония, изградена върху тема, почти лишена от мелодия (края на движението възобновява темата по фрагментиран начин, „пресичайки“ няколко инструментални части на оркестъра по време на изказването, по процедура, подобна на Klangfarbenmelodie, наложена през ХХ век).

Музикалният език, възприет от Бетовен в неговите симфонии, по това време е признат за своята мобилност и непредсказуемост. Структурата на първата част е усилена, съдържаща много по-последователно развитие, диференцирана част от изложбата, докато кодът се превръща в самостоятелен раздел, съдържащ епилога на музикалния дискурс. Бетовен разширява оркестровия апарат, особено по посока на духовите инструменти, които освен това споделят „мелодичната“ позиция със струнното семейство.

Третата симфония, „Героичната“ (1803), която представлява „началото на великите творчески епохи“ (Ромен Роланд), [изисква цитиране] предлага първо бавно, драматично движение, под формата на погребален марш, в третата част менуетът се заменя със скерцо (ит. „шега“), по -бързо, за първи път. [изисква цитиране] Други симфонии, споменати по -често: Симфония V в ми минор ("на съдбата", 1808), Симфония VI във фа мажор ("Пасторал", 1808) - показва елементи на програмизъм и въвежда пета част, но несвързан експеримент в следните жанрови творения, Симфония VII в А мажор („Танцов апотеоз“, 1811) и Симфония IX в ре минор (1824) - краят на последния въвежда вокални солисти и хор („Ода на радостта“) по текстове на JC Фридрих фон Шилер.

Структура на класическата симфония Модификация

Класическата симфония обикновено има четири части:

  • Първа част в бързо темпо (напр. алегро), структурирана под формата на битематична соната и разпространена по схемата „изложба-развитие-половина“. Понякога се предхожда от кратко бавно въведение.
  • Второто движение е бавно (анданте, адажио и т.н.) и позволява по -формални подходи се използват предимно под формата на романтика количество, тема с вариации и рондо. W.A. Моцарт също въвежда формата на соната в тази част (например в Симфония KV 551). [изисква цитиране]
  • Третото движение, в минутно темпо (оттук и името - умерена пулсация), обикновено е най -кратката част от симфонията. Започвайки с Лудвиг ван Бетовен, менюто се заменя с шега, в по -бързо и танцуващо темпо.
  • Краят има бързо темпо (алегро, оживен, скоро и т.н.) и най -често е конструиран като рондо, но също така под формата на соната или като тема с вариации.

Първата и последната част са почти винаги написани с един и същ ключ, чието име влиза в заглавието на самата симфония, докато централните части имат променлив ключ: ако основният ключ е малцинство, забавеното движение е често мнозинство, докато ако симфонията е композирана в ключ мнозинство, централните части поемат тона доминантен или субдоминантна. Особено в романтизма има все повече и повече изключения от тази схема, но тя остава като цяло препратка до средата на ХХ век, както се вижда от симфониите, написани от Густав Малер, Сергей Прокофиев или Димитрий Шостакович.

Началото на романтичната симфония

Симфонията от 19 век има забележителна жанрова съгласуваност, от ранните симфонии на Бетовен до средния период на симфониите на Малер. Идентичността на жанра до голяма степен се основава на външни критерии за структура и размер: композиторите определят симфонията като оркестрово произведение за оркестър със средни или големи пропорции, обикновено състоящ се от три, четири или пет части (обикновено четири). В част I обикновено се използва формата на соната, предшествана от бавно въведение във втората част, често имаме бавен лиричен момент, обикновено под формата на соната или тип ABA, или тема с вариации, третата част обикновено е танц - шега и четвъртата част бърз край. Редът на двете средни части понякога се променя и разбира се имаше и други изключения от тази стандартна форма, но те остават изключения. [1] По тези външни критерии симфонията може да бъде определена като „оркестрова соната“, дори ако всъщност различията между тези два жанра са сложни. Към края на 18 и началото на 19 век критическите коментари за симфонията многократно подчертават отличителни качества: по същество полифонична текстура и „обществен“ нюанс. Симфонията е била постоянно оценявана заради уникалната си способност да обединява толкова широк набор от инструменти по такъв начин, че гласът да не е преобладаващ, всички допринасящи за едно цяло. [1]

Поради естетическия престиж на симфонията и поради чисто техническите композиционни изисквания, този жанр е всеобщо известен, в началото на 19 век, като пробен камък, на композиторско майсторство. Имаше широко усещане, че композитор не може (или поне не трябва) да композира произведение от този вид, без да овладее по -малките жанрове. Симфонията се разглежда като средство за слава, а не като финансов доход, тъй като въпреки престижа си като жанр, тя остава икономически неизгодна както за композиторите, така и за издателите. Симфониите бяха трудни за композиране, изисквайки както изобретателност, така и финансова подкрепа за публикуването. [1]

Симфониите, заедно с ораториите, бяха централният репертоар на много музикални фестивали, които се появиха в Германия през първата половина на деветнадесети век. Появата на нов репертоар, съсредоточена върху последните симфонии на Хайдн и Моцарт и Девета симфония на Бетовен, спомогна за разширяването на симфоничния оркестър. В същото време същият каноничен репертоар затруднява приемането на нови произведения. [1]

Симфония на Бетовен

Първата симфония на Бетовен се появява на музикалната сцена през 1801 г., когато инструменталната музика като цяло, особено симфонията, започва да се радва на безпрецедентно повишаване на естетическия статус. През последните десет години на осемнадесети век симфонията се утвърди като един от най -престижните инструментални жанрове, но тъй като нямаше забележим обект на представяне, тя се разглеждаше като средство за забавление, а не като начин за предаване на социални, морални идеи ... или интелектуален. В „Критика на Факултета по преценка“ (1790) Кант повтаря общата концепция на времето, като отхвърля идеята, че инструменталната музика ще означава „по -голямо удоволствие, отколкото културата“, с мотива, че не може да включва понятия и затова трябва да се преценява в зависимост от удоволствието, получено от простата му форма. Според Кант всяко съдържание, свързано с мислене в съзнанието на слушателя, е чисто случайно. Инструменталните произведения, които се опитват да „представят“ събитие или конкретен обект, са презирани и смятани за наивни и по -ниски от естетическа гледна точка.

Започвайки със Симфония III, Heroic, Бетовен изследва различни начини, по които инструменталната музика може да предизвика образи и идеи, които надхвърлят света на звука. Обозначението на „поетична идея“ беше централна константа в рецепцията на инструменталната музика на Бетовен, а най -добрият пример се намира в Петата симфония.

От по -техническа гледна точка симфониите на Бетовен изследват широк спектър от композиционни подходи. Всъщност иновациите на Бетовен от формална гледна точка са изключителни, както на ниво самата част, така и на частите като цикъл. Интеграцията на хора в края на Девета симфония е един от най -очевидните начини, по които можем да наблюдаваме изследването на нови подходи от този вид. Третата симфония, с нейното извикване на етични и политически идеали, но и на смъртта (Funeral March), значително разшири предишните граници на „стандартната“ симфония и изрично отвори жанра в социалната сфера. Шестата симфония, Пасторална, се занимава с връзката на човека с природата и изследва експоненциалния потенциал на инструменталната музика по начин, който варира от неясен до конкретен. Седмата симфония избягва програмните позиции, но изследва оркестрови звуци и ритми с безпрецедентна интензивност. Деветата симфония на Бетовен предефинира този жанр. След тези произведения симфонията вече не се смяташе само за развлечение, а за средство на морални, философски и дори социални идеи. И като въвежда текст и глас в традиционния инструментален жанр, Бетовен имплицитно поставя под въпрос естетическото превъзходство на инструменталната музика. В този смисъл Деветата симфония на Бетовен беше катализаторът на това, което може да се нарече „криза“ относно самата природа на жанра. През 1830 -те интензивен дебат за бъдещето на музиката е в разгара си и симфонията, като най -амбициозния от всички музикални жанрове, е в центъра на този дебат. Шуман в известния си преглед на „Фантастичната симфония“ на Берлиоз посочва през 1835 г., че след Девета симфония на Бетовен „размерите и целите на симфонията“ са били изчерпани. След като обобщи няколко такива произведения, Шуман обяви Менделсон за носител на „короната и скиптъра над всички останали композитори от онова време“, но отбеляза, че стигна до един извод: няма какво да се спечели. Много композитори продължават да пишат симфонии между 1820 и 1830 г., но дори по това време се засилва усещането, че тези произведения са естетически далеч по -ниски от последната симфония на Бетовен.

Наследството на Бетовен беше, разбира се, един от факторите, повлияли на симфоничното представяне през 1820-1830 г., и би било опростено да се припише всяка промяна в жанра на този единствен фактор. Очевидно симфонията продължава да бъде предизвикателство за другите композитори. Истинският въпрос не беше дали биха могли да бъдат създадени други симфонии, а дали е възможно този жанр да се развие така, както през последните петдесет години в ръцете на Хайдн, Моцарт и Бетовен в това отношение, имаше много скептични възгледи, но практически няма истински оптимизъм.

Единственият композитор, способен да се справи с наследството на Бетовен през 30 -те години на миналия век, е Берлиоз. Той беше признат приживе, особено в Германия, като истински наследник на симфонията на Бетовен.Във всяка от трите концертни симфонии Берлиоз разглежда общите предизвикателства, поставени от Бетовен. Фантастичната симфония от 1830 г., която придоби значителна известност благодарение на пиано аранжимента на Лист, е почти огледален образ на Девета симфония на Бетовен. Блясъкът и оригиналността на оркестрацията на Берлиоз, „космическият“ подход към жанра и способността му да смесва музика и повествование послужиха като вдъхновение за следните композитори, за разширяване на духа и оригиналността на Бетовен в рамките на симфоничния жанр, без да го имитират директно. Симфониите на Лист и Малер са дълбоко свързани с наследството на Берлиоз. [1]

Поколението, последвало Л. ван Бетовен, не продължи директно формалната сложност и изразителната плътност на неговата музика. В деветте симфонии на Франц Шуберт, с по -линейна структура и жалък певчески характер, [изисква цитиране] има по -голям акцент върху разнообразното повторение на мелодични детайли, отколкото върху тематичното развитие. Най -известните са Осмата симфония в си минор - наречена „Незавършена“ (1822) за необичайната структура от само две части (самият Шуберт се отказа от писането на трето, намирайки формалния баланс, необходим за творбата, много добре изразен само в две части Въпреки това редица композитори предлагат свои „завършвания“ на симфонията, но нито една не е наложена.) - и Девета симфония в мажор (1828).

Симфониите на Феликс Менделсон Бартолди и Робърт Шуман се характеризират с богатството на хармоничната конфигурация и поетичното съдържание, характерно за романтизма, често вдъхновено от протестантската религиозност. [изисква цитиране] Най-известните симфонии на Менделсон, Третата „шотландска“ симфония (1832), Четвъртата „италианска“ симфония (1833) и Петата „Реформация“ (1842), съдържат програмни елементи, но това не е представено от субтитрите. ( които не принадлежат на композитора). Симфониите на Робърт Шуман, включително „Пролетта“ (1841) на Симфония I и „Рейн“ (1850) на Симфония III, са формално в по -голямата си част лишени от структурна плътност, с по -голям акцент върху мелодичната конструкция. [изисква цитиране]

Извън Германия еволюцията на симфонията включва хибридни елементи, както е показано във Франция от Ектор Берлиоз във „Фантастична симфония“ (1830), едно от първите произведения на програмната музика, чиято структура (ред и брой движения) се променя в сравнение към класическите канони за по -добро представяне на избрания „субект“ (който обаче няма друга материализация освен внушението на разказа чрез музикални алюзии). Както оркестрацията, така и полифонията в композициите на Берлиоз са дълбоко оригинални и ще окажат силно влияние върху френските композитори, които ще го последват.

Късна промяна на романтичния период

Йоханес Брамс и Антон Брукнер имат заслугата да консолидират симфоничния си език и да му дадат силна архитектурна сила. Четирите симфонии на Брамс претендират за постоянен морален ангажимент към романтичната конфигурация, със специална строгост на езика и чистота на формата, в сравнение със сложната и плътна вагнеровска хармонична вселена.

Антон Брукнер се вписва в архитектурната строгост на Брамс, но използва хармоничен език, в който се усеща влиянието на Рихард Вагнер. Размерът на симфониите на Брукнер се увеличава по дължина и сложност на оркестрацията. Основните теми в първите движения на неговите симфонии често са три на брой и като цяло всяко движение е обогатено с други вторични мелодични идеи. Групата месингови вентилатори често се намесва, прекъсвайки динамичния импулс, адажиоul често се оформя - изрева той, а завършекът е конструиран, подобно на първото движение, под формата на соната и използва теми, които вече са се появявали в предишните движения.

Специално място заема Густав Малер, който допълнително усилва формално -инструменталния апарат на симфониите на Брукнер. Вокални солисти и хорове се появяват в много от неговите симфонии: Втората симфония съдържа завършек, който е монументален химн на "Възкресение", в третата, в шест части, се намесва солист контралто и женски хор, в 8 -ми се пее религиозната тема „Ела, Създател Спиритус“, 9 -ти завършва с а адажио който продължава половин час, а 10 -ият - оставайки недовършен - съдържа само един адажио в които атоналните елементи вече са разпознати.

Симфоничните композитори през втората половина на 19 век включват: Пьотър Илич Чайковски и Александър Бородин (Русия), Камил Сен-Санс, Жорж Бизе и Сезар Франк (Франция), чешки композитори Бедржих Сметана и Антонин Дворжак (9-та симфония "От новото" Свет "), Жан Сибелиус, финландски композитор.

В началото на ХХ век във всички области на изкуството има тенденция да се откажат от традиционните форми, търсейки нови възможности за художествено изразяване. В областта на симфонията се сблъскват различни художествени течения (например: експресионизъм, неокласицизъм) и композиционни процедури (например: додекафонична техника). Докато много композитори, като Чарлз Айвс, Джордж Енеску, Карл Нилсен, Ралф Вон Уилямс, Сергей Прокофиев и Дмитрий Шостакович все още са тясно свързани с традиционната форма, в симфониите на Алберт Русел или Артър Хонегер има импресионистични мотиви, някои прибягват до образува таблети, като Макс Регер, Дариус Милхауд, Пол Хиндемит, Антон Веберн, други възприемат полифоничния линеен стил, като Арнолд Шьонберг, Карл Амадеус Хартман.

След 1950 г. има спад в интереса към композирането на симфонии. Въпреки това редица композитори също са предприели ползотворни опити в този жанр:

Румънски симфонични композитори

  • Паскал Бентойу (8 симфонии)
  • Николае Бранцеу (3 симфонии и концертна симфония)
  • Михай Бредичану (1 симфония)
  • Sergiu Celibidache (4 симфонии)
  • Пол Константинеску (Симфония в Плоещ)
  • Димитри Куклин (20 симфонии)
  • Джордж Енеску (5 симфонии, последните две оркестрирани от Паскал Бентойу и камерна симфония)
  • Дину Липати (1 концертна симфония за две пиана и струнен оркестър)
  • Стефан Никулеску (5 симфонии)
  • Тиберий Олах (1 симфония)

Оркестърът, както е открит в края на прехода към класицизма, се състои от струнни и наклонени инструменти (цигулка, виола, виолончело, евентуално контрабас или еквивалент), дървени духови инструменти (флейта, гобой, фагот), рога и тимпани. От последните симфонии на J. Haydn, оркестърът изисква тромпети и кларинет (което не се използва в голям брой симфонии от W.A. Mozart). [изисква цитиране] Под влиянието на операта по -късно се добавят английският рог, контрабасонът, духовите духалки с по -амбициозен обхват от френския рог (тромбон, туба) и арфа. Към тях се добавя човешкият глас, както е записан за първи път в Девета симфония от Л. ван Бетовен. За сравнение, следвайте инструментариума на някои симфонии и симфонични цикли:

  • Последните симфонии на Й. Хайдн (1790-1795): струни, 1 флейта, 2 обоя, 2 фагота, 2 рога, 2 тръби и тимпани
  • 7 -та симфония от Л. ван Бетовен (1812): струнни инструменти, 2 флейти, 2 обоя, 2 кларинета, 2 фагота, 2 рога, 2 тръби и тимпани
  • Първата симфония на Дж. Брамс (1876): струнни инструменти, 2 флейти, 2 обоя, 2 кларинета, 2 фагота, 1 контрабасон, 4 рога, 2 тръби, 3 тромбони и тимпани
  • 6 -та симфония от Г. Малер (1906): струнни инструменти, 4 флейти, 4 обоя, 3 кларинета, 1 кларинет в Е ♭ < displaystyle flat>, 1 бас кларинет, 3 фагота, 1 контрафасон, 8 рога, 4 тръби, 3 тромбона, 1 туба, литаври, арфа, небесни, ксилофон, други ударни инструменти.

В допълнение към разнообразието на тембър, броят на елементите на симфоничен оркестър също нараства значително през ерата на романтизма, от няколко десетки в симфониите на Хайдн и Моцарт до над сто елемента в последните симфонии на Бетовен, до мащабни оркестри. за творенията от късния романтичен период.


Симфония на цветовете - Рецепти

Кой начин е по -подходящ за празнуване на цветовете на есента, ако не чрез музика? ParkLake, заедно с Radio Romania Musical, но и с оркестри и хорове на Radio Romania, кани хората от Букурещ в събота, 8 септември, с начален час 19:00, да участват в специален концерт. Той ще бъде подкрепен от Камерния оркестър на Радио, заедно с диригента Константин Адриан Григоре и солистката Ирина Сарбу. Изпълнителите ще излязат на сцената, специално инсталирана в градината ParkLake и ще зарадват зрителите с известни парчета от класическа и джаз музика.

Концертът, представен от сутрешните директори на Радио Румъния Музикал, Андрея Чиселев и Ливиу Пешю, ще съчетае двата музикални стила: класическа музика и обработка в джаз стил на някои известни румънски песни ще бъдат преплетени в програма, достъпна за всички. От Моцарт до Йохан Щраус-син и Дмитрий Шостакович, музикални произведения, които всички ние тананикахме веднъж, ще бъдат изпълнявани със страст от артистите на сцената.

,,Важно е да отделяте време за културата, тъй като културата ни вдъхновява и носи вдъхновение от цвят в ежедневието ни. Искаме да предложим на колкото се може повече хора възможността да открият магията на класическата музикаПредставители на търговския център ParkLake.

Събитието е първото по рода си и с такъв мащаб, което включва симфоничен оркестър, организиран в мол в Букурещ. За целта търговски център ParkLake ще организира истинска концертна зала на открито, със стотици столове, но и с просеко за зрители. Входът за концерта е свободен.

Перфектна вечер, прекарана от жителите на Букурещ в музикални акорди, насред зелената украса на градината ParkLake.


Насладете се на Симфонията на есенните цветове в ParkLake Garden - концерт на камерен радио оркестър

На 8 септември Радио Румъния Музикал, ParkLake от Букурещ, Радио оркестри и хорове организират концерт-събитие, първият концерт на симфонична музика от такъв мащаб в мол в Букурещ

Показване на събитие

На 8 септември Радио Румъния Музикал, ПаркЛейк от Букурещ, Радио оркестри и хорове организират концерт-събитие, първият концерт на симфонична музика от такъв мащаб в мол в Букурещ: Радио камерен оркестър, диригент Константин Адриан Григоре, солистка Ирина Сръбска.

ParkLake, Радио Румъния Мюзикъл, Оркестри и хорове на Радио Румъния ви канят на специален концерт: Камерен оркестър на Радио, диригент Константин Адриан Григоре и Ирина Сарбу - солистка, ще излязат на сцената, специално инсталирана в градината ParkLake в събота, 8 септември, от 19.00 (ул. Liviu Rebreanu № 4, сектор 3, Букурещ).

Класическата музика и обработката на някои известни румънски песни в стил джаз са преплетени в програма, достъпна за всички-от Моцарт до Йохан Щраус-син и Дмитрий Шостакович, онези музикални произведения, които някога сме си тананикали или които сме избрали да ни придружават ежедневно, като мелодиите на мобилните телефони. Продуцентите на сутрешния радио Румъния мюзикъл, Андрея Чиселев и Ливиу Пену, ще бъдат водещи на концерта.

Това е първото събитие от такъв мащаб, включващо симфоничен оркестър, в мол в Букурещ ParkLake подготвя истинска концертна зала на открито, със стотици столове и просеко за зрители, събитие, предназначено да покаже, че класическата музика е за всеки и може да ни направи всички по -добри. Публичният вход е безплатен.

,, Важно е да се отдели време за културата, защото културата ни вдъхновява и ни носи вдъхновение от цвят в ежедневието. Искаме да предложим на колкото се може повече хора възможността да открият магията на класическата музика “, казаха представителите на търговския център ParkLake.


Концерт на Радио Камерен оркестър, в мола! Да живее симфонията на есенните цветове!

Кой начин е по -подходящ за празнуване на цветовете на есента, ако не чрез музика? ParkLake, заедно с Radio Romania Muzical, но и с оркестри и хорове на Radio Romania, кани хората от Букурещ в събота, 8 септември, с начален час 19:00, за участие в специален концерт. Той ще бъде подкрепен от Камерния оркестър на Радио, заедно с диригента Константин Адриан Григоре и солистката Ирина Сарбу. Изпълнителите ще излязат на сцената, специално инсталирана в градината ParkLake и ще зарадват зрителите с известни парчета от класическа и джаз музика.

Концертът, представен от сутрешните режисьори на Радио Румъния Музикал, Андрея Чиселев и Ливиу Пету, ще съчетае двата музикални стила: класическа музика и обработка в стил джаз на някои известни румънски песни ще се преплитат в програма, достъпна за всички. От Моцарт до Йохан Щраус-син и Дмитрий Состаковичи, музикални произведения, които всички ние някога си тананикахме, ще бъдат изпълнявани със страст от артисти на сцената.

,, Важно е да се отдели време за културата, защото културата ни вдъхновява и ни носи нотка на цвят в ежедневието. Искаме да предложим възможност на колкото се може повече хора да открият магията на класическата музика ”, казаха представителите на търговския център ParkLake.

Събитието е първото по рода си и с такъв мащаб, което включва симфоничен оркестър, организиран в мол в Букурещ. За това търговският център ParkLake ще организира истинска концертна зала на открито, със стотици столове, но и с просеко за зрители. Входът за концерта е свободен.

Перфектна вечер, прекарана от жителите на Букурещ в музикални акорди, насред зелената украса на градината ParkLake.

Повече подробности за събитията в ParkLake, както и програмата можете да намерите на www.parklake.ro и на страницата на търговския център ParkLake във Facebook.

Оркестър на Радио Камера

Студийният оркестър, предшественик на сегашния Радио камерен оркестър, е основан през 1947 г.

В над 30 сезона този ансамбъл съчетава дейността по правене на специални записи за радиопредавания в студиото, с присъствието си на подиума на концерта. Благодарение на разнообразието на подхождащия репертоар (барок, класицизъм, музика от 20-ти век и т.н.) и чрез кооптация на инструментални или вокални солисти, Студийният оркестър на Румънското радиоразпръскване се развива качествено, предлагайки множество заглавия на музикални предавания. Разбира се, заслугата принадлежи и на майсторите на диригентското бюро: Константин Силвестри, Менди Родан, Константин Бобеску, Карол Литвин, Людовик Бач.

От 1990 г. Студийният оркестър се трансформира в Радио камерен оркестър.

С постоянен сезон от концерти и записи, този ансамбъл е активно и атрактивно присъствие в румънския музикален живот. Концертите, проведени в Радио зала, пътуване в страната или турне в чужбина бяха истински музикални събития. Успехът на Bach -250, Haydn, Schubertiada, Mozart - 250, Händel & Haydn, петте издания на Международния фестивал на китарата, Международния фестивал на бандонеона и акордеона, Вечерния фестивал на органите в Радиозалата, не би бил възможен без специалния принос на Радиокамерен оркестър.

Многобройните записани произведения, много от които в първото абсолютно прослушване, някои от които са фиксирани на компактдискове, допълват образа на дейността на този музикален ансамбъл. Името на Радиокамерния оркестър е свързано с монументалната реализация на Интегралните концерти за пиано и оркестър на WA. Моцарт, в интерпретационната версия на пианистката Дана Борсан, дискографско събитие за първи път в историята на румънската музика.

Специфичният репертоар на групата се фокусира върху популяризирането на по-малко известни произведения, на първото румънско прослушване, като разнообразното и интересно предложение е една от атракциите за любителите на музиката. Към това се добавя богато представяне на румънската музика.

През цялата си история от над половин век почти всички важни румънски диригенти са допринесли за славата на ансамбъла, както и майсторите, които са част от елита на международния музикален живот: Хория Андрееску, Енрике Гарсия Асенсио, Марко Балдери, Габриел Бебеселеа, Жан Пиер Берлинген, Франсоа Ксавие Билгер, Робърт Бокор, Амаури дю Клозел, Йосиф Конта, Питър Чаба, Лорънс Фостър, Кристофър Уерин Грийн, Леонид Грин, Тецуджи Хона, И. Йонеску-Галац, Кристиан Мандал, Камил Маринеску, Пол Майер , Милен Начев, Томас Рьоснер, Роберто Салвалайо, Дежа Савич, Герд Шалер, Тибериу Соаре, Ралф Сохачевски, Нийл Томсън, Джан Луиджи Зампиери, Джин Уанг са

Забелязано е присъствието на някои престижни румънски солисти от страната и чужбина: Кристина Ангелеску, Дана Борсан, Дана Чокарли, Виорика Кортез, Илеана Котрубас, Джордж Краснару, Руксандра Доносе, Теодора Георгиу, Валентин Георгиу, Даниел Гойти, Дан Григоре, Николае Херлеа , Дан Йордаческу, Силвия Марковичи, Михаела Мартин, Хория Михаил, Евгения Молдовеану, Мариана Николеско, Адина Нитеску, Аврелиан Октав Попа, Ливиу Прунару, Йон Иван Ронча, Евгений Сарбу, Джорджета Столериу, Разван Сума, Едуард Тумагиан, Александру Умесуса, Михаела Лори Уолфш, Богдан Зворищеану, sa

Трябва да се споменат и имената на важни чуждестранни гости: Емануел Абюл, Дмитрий Алексеев, Йоси Арнхайм, Клауди Аримани, Пиер-Ив Арто, Брижит Балей, Игор Безродний, Габриел Бианко, Даниел Блументал, Владимир Бунин, Грейс Бъмбри, Марк Копи , Costas Cotsiolis, Christopher Czaya-Sager, Aniello Desiderio, Richard Galliano, Lorenzo Gatto, Elina Garanča, David Grimal, Rivka Golani, Natalia Gutman, Monique Haas, Barbara Hendricks, Patricia Kopatchinskaja, Elisabeth Leonskaja, Merha Maioneky, Carris , Алексис Музуракис, Васо Папандониу, Мишел Портал, Сусана Прието, Хироко Сакагами, Питър Соаве, Павел Щайдл, Герхард Райхенбах, Катя Ричарели, Майкъл Рол, Лора Вукобратович, Андреас фон Вагенхайм, Соня Видер Атертън

Популяризирането на млади румънски диригенти и изпълнители е част от стратегията за управление на този оркестър, който от своя страна се състои главно от ценни млади музиканти.

Отвъдморски турнета в Русия, Украйна, Австрия, Испания, Франция, Италия, Япония, Гърция, Кипър, Германия, Южна Корея, записи, телевизионни филми, участие в изданията на Международния фестивал на Джордж Енеску, Международния фестивал на седмицата на музиката Ние бяхме оценени от обществеността и специализираната преса.

Ирина Сарбу

В зависимост от репертоара, към който се приближава, Ирина Сарбу моделира гласа си със специален тембър, лесно разпознаваем и води своето импровизационно въображение в много посоки, всяка грандиозна по свой начин. Джазът доминира и оставя своя отпечатък върху всяка песен от "Route 66" до "C'est si bon", от "One note samba" до "Ciocirlia" и & quotHora staccato & quot, от изобилната и интензивно поддържана мелодия на създаване между войните Румънски песни като "Zaraza" на вокални перкусии, които експлодират непредсказуемо, ярко и цветно като фойерверки в последния албум на солиста - "seven Stairs" - с ETHNOTIC Project. Чрез това, което прави с добре отработения си талант в много години на специализирано обучение, Ирина Сарбу се налага силно пред обществеността и остава трайно фиксирана в паметта. Поради оригиналността и начина на обработка на песните, станали класика, или на пеене на вокали по оригинален и уникален начин инструментални инструменти от румънския фолклор, стойността на вокалиста се признава единодушно. Концертирал е както в страната, така и в чужбина - Ню Йорк, Вашингтон, Париж, Атина, Мадрид, Виена, Венеция, Брюксел, Прага, Лисабон, Стокхолм, Йерусалим, Милано - в клубни рецитали или на национални и международни джаз фестивали. Любопитна, в постоянно търсене на нещо ново (макар и непоправимо влюбена в класическия джаз), Ирина Сарбу винаги предлага на публиката интересни и оригинални програми.

Константин Адриан Григоре

По време на следването си в страната, след това в Полша в Музикалната академия „Карол Липински“, диригентът Константин Григоре се възползва от ръководството на известни диригенти: Хория Андрееску, Петру Андриесей, Иларион Йонеску-Галац и полския диригент Марек Пияровски.

Константин Григоре усъвършенства стаж в Rundfunk Sinfonieorchester Berlin (2011) под ръководството на маестро Марек Яновски и по -късно (2012) в Bayerische Rundfunk и Munchner Philharmoniker, където участва в репетиции и концерти на Mariss Jansons, Bernard Haitink, Alain Gilbert, Пааво Джарви, Лорънс Фостър или Василий Петренко, паралелно също участва в курсове по феноменология, преподавани от Конрад фон Абел.

Константин Адриан Григоре изнася концерти на бюрото на някои важни оркестри, както от страната (Симфоничен оркестър на филхармонията на Джордж Енеску, Камерен радио оркестър, Национален радио оркестър, Държавна филхармония „Молдова“ от Яш, Филармония „Йон Думитреску“ - Rm Valcea, “ Пол Константинеску ”Филхармония от Плоещ, Държавна филхармония от Питещи, Държавна филхармония от Сибиу, Държавна филхармония от Орадя, Театрален оркестър„ Нае Леонард ”от Галац, Оркестър на театър за опера и балет„ Олег Дановски ”, Национален оперетен и музикален театър в Букурещ) както и в чужбина (Полша - Камерен оркестър "R -20" от Вроцлав, Филхармония в Келце, Национален камерен оркестър на Република Молдова или Филхармония "Сергей Лунчевичи" от Кишинев).

Той е и един от основателите и диригент на камерен оркестър „Camerata Regala“, с който е изнасял множество концерти в Румъния, но и в Албания, Молдова или Полша, а през януари 2016 г. е поканен от Румънския културен институт , за да изнесе концерт на бюрото на Кралската камара, в MozartSaal на Konzerthaus Виена.

През 2017 г. е поканен на бюрото на Кралската филхармония в Лиеж, където изнася поредица от 7 концерта в Лиеж (зала на филхармонията), Брюксел (Бозар), Ат, Оттинь и Намюр.

Константин Адриан Григоре е сътрудничил на известни солисти на музикалната сцена като Флорин Кроитору, Ребека Хартман, Николае Ликарет, Даниел Подловски, Габриел Кроитору, Флорин Йонеску Галац, Илиян Грант, Аура Тваровска, Теодор Илинкай, Кристиан Могосан, Ирина Йордамеску Карерас, Сорина Мунтяну, Юлия Мерка, Катажина Дондалска, Стефан Игнат, Ана Мария Доносе, Кристина Ангелеску, Йоана Кристина Гойча, Ралука Уату, Тина Мунтяну, Хорея Хаплеа, Ингмар Антъни Лазар, Кристиан Сандрин, Йоана Илие, Лора Никореску, Анна Миреску Наталия Коник, Уиктор Кочубан, Пьотр Банасич, Алесандро Сафина или Националният камерен хор „Мадригал“.

Константин Григоре е получил множество награди и отличия - като ръководител на промоцията на UNMB, наградата на фондация "Fratii Bucovineni" (2006), първата награда на конкурса за тълкуване "Garabet Avachian", полуфиналист на режисурата "Jeuness Musicales Bucharest" " - издание 2010 г., както и различни дипломи, присъдени от румънското правителство за сътрудничество и координация на множество културни проекти. Сътрудничил е с престижни институции като румънското Министерство на културата и култовете, Artexim или ICR Варшава.

В момента Константин Григоре е главен диригент на Кралския камерен оркестър.


Време и пространство в симфонията на цветовете @ Iași

Имаме специалната чест да ви поканим на откриването на живописната изложба „Време и пространство в симфонията на цветовете“, подписана от Михай Кошовану, която ще се състои в понеделник, 22 февруари 2021 г., 1700 г. в галерия „Теодор Палади“, ул. „Лапушняну“ , Iași.

Представен от изкуствовед Петру Бежан

Часове за посещение 10:00 & # 8211 18:00, 22 февруари & # 8211 10 март 2021 г.

В изкуството на рисуването пластичният художник трябва да премине през много етапи, за да стане перфектен диригент, виртуоз на цветовете върху платно. Придобиването на виртуозност в изкуството на рисуване и превръщането на платното в симфония от цветове е широко и сложно пътуване, дълбока наука, непрекъснато обучение за анализ и наблюдение. За да се възприемат и разграничат фините нюанси на цвета, окото трябва да бъде оформено по такъв начин, че да се превърне в перфектен инструмент за боравене с цветовете върху палитрата и платното, за да достигне способността да предава емоция чрез цвят в рисувания мотив. Художникът трябва да достигне до вътрешното преживяване, за да може да усети цвета, течащ от душата през вените. Четката се трансформира в пръчка, която насочва цветовете върху палитрата, в хармонията на хроматичните звуци, транспонирани не само в пространството и по време на ставането, но и в пространството на платното, като форма и израз на разума, като симфонична партитура на цветове във видения свят. невидими в изразителното ставане на вътрешното същество. Околната реалност в нейното разнообразие се превръща в източник на вдъхновение в изкуството на живописта, в което художникът се научава да гледа, за да разбере мистериите зад завесата на реалността, мистерии, които ни вълнуват и ни поставят пред големи въпроси. Посочвам, че композиционната организация на пластмасовата повърхност и необходимостта да се създаде картина с център на интерес е отражение на себеоткриването (под формата на социална телурична, индивидуалната, личната нужда да бъде център на интерес) . Чрез така направената картина зрителят се води до културно-духовно удовлетворение, чрез хармонични звуци, модулирани от фини тонове нюанси, нюанси, цветове, носещи най-чистата хроматична енергия на цветовете, като инструменти, които ясно предават хармоничния поток от ноти, към него прониква душата. Самото творение е симфония на Великия диригент, което отразява правилата за създаване в музикални музикални интервали. От тази гледна точка творческото вдъхновение на музиканта е от музиката на сферите. Слушайки симфониите, дадени от великите композитори, ние сме проникнати от музиката, откъсвайки се от телуричните аспекти на живота.


Изложба | Родика Винка: "Симфония на цветовете"

„Симфонията на цветовете”, Третата самостоятелна изложба на Rodica Vinca, ще бъде домакин на библиотеката Sylvain-Garneau в Лавал (бул. Сен-Роуз 187, H7L 1L5). 35 произведения върху платно (акрил и смесена техника) и 17 върху стъкло (витражи и кристали) съставляват тази нова изложба, в която отново се отбелязват техниката и хроматиката, използвани от художника.

"Симфония на цветовете" продължава и завършва двете предишни изложби на Rodica Vinca, от 2016 и 2017 г. "Цветна памет ” и съответно "Песента на водата ” (И двете се състояха в бутиковия ресторант Château Napoléon в Rosemère). "Цветна памет" показа, че художникът използва пълноценно и смело цветовете. Неговата живопис е текстура, цвят, контраст, но и хармония, като тези елементи се отразяват в съвкупността от неговите произведения, които се редуват между чист абстракт и верига от внушителни, емоционални елементи. В "Песента на водата", където, както подсказва заглавието, водата беше централният мотив, художничката експериментира за първи път с рисуване върху стъкло (вази), което тя напълно изследва в тазгодишната изложба.

Ето какво ни каза художникът за еволюцията на нейния стил, връзката с живописта и убежището в цвят: „Искам непрекъсната еволюция, но в същото време не искам да губя връзка с миналото, с началните години, когато исках и успях да възстановя невинността, яснотата, силата и искреността чрез въртеливи цветове. Крайният резултат е сложен, но в същото време прост. Това е моята връзка с формата, линиите и цвета. Рисуването е интуитивен, сантиментален процес, с определен смисъл на всяко изобразяване върху платно. Това е постоянна мотивация за дълбоки чувства и чувства, отразени в хармонията на цветовете. Те използват различни носители, предимно акрилни щедро комбинирани. Консистенцията на цвета се дава от разнообразието от нюанси, без последователни разреждания, но в хармонично комбинирани смеси ”.

През последните години работата му е отбелязана както в Канада, така и в чужбина. През 2017 г. той бе отличен с бронзов медал за оригиналност, техника и естетическа стойност на Международната гала на визуални изкуства Son et Lumière, ежегодно състезание, организирано от Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec (CAPSQ), на който е член .

През пролетта на тази година Родика Винка беше отличена с друг бронзов медал, „La Victoire de Samothrace“, за оригиналност, естетическа и техническа стойност и за нейния принос в популяризирането на изкуството на страната на осиновяване, Канада. Медалът е присъден на 48-ото издание на международното изложение CAPSQ в Шарант-Маритим, Франция, което се проведе в Abbaye de Fontdouce, бенедиктинско абатство, основано през 1111 г. и защитено от ЮНЕСКО исторически паметник.


Видео: Классическая музыка. Моцарт. Симфония 40, часть 1 (Октомври 2021).